курсы акварели
Что такое акварель?
С того момента, как музей Южного Кенсингтона (ныне V & A) открыл свои двери для публики в 1857 году, акварели были в центре амбиций нового музея в отношении своих коллекций изобразительного искусства. Именно художник Ричард Редгрейв, генеральный инспектор правительства по искусству, выступил за создание "Национальной галереи британского искусства". Это было бы празднование современного британского искусства, включающего не только картины маслом, но и то, что Редгрейв назвал "Национальной коллекцией акварельного искусства".
Обширная коллекция акварельных работ в V&A во многом обязана амбициям Редгрейва. Но то, что подразумевается сегодня под термином "акварель", сильно отличается от того, что оно означало в 1850-х годах. В то время акварель считалась национальным видом искусства, с гордостью демонстрируемым как уникальное британское искусство на крупных международных выставках.Сегодня курсы акварели можно найти тут. Это привело к появлению потребности в постоянной коллекции акварелей для всеобщего обозрения. Более 150 лет спустя обширная коллекция V&A рассказывает увлекательную историю о том, как изменилось отношение к работам акварели с появлением новых поколений художников и кураторов, которые следовали за общественным вкусом и влияли на него.
В самом общем виде слово "акварель" описывает среду, в которой сухой пигмент сначала смешивается со связующим веществом (обычно гуммиарабиком), затем с водой, а затем наносится кистью на подложку, такую как пергамент, бумага или даже слоновая кость. Когда вода высыхает, именно связующее вещество приклеивает пигмент к подложке. В зависимости от баланса пигмента, смолы и воды художник может добиться различных эффектов.
Акварель, возможно, удивительно, может быть густой и слегка матовой, как на картине Фредерика Уокера "Осень", написанной в 1865 году. Густую акварель традиционно называют "телесным цветом" - словом, подчеркивающим ее сущность. После введения промышленного пигмента "китайский белый" в 1834 году термин "телесный цвет" также стал описывать акварель, смешанную с белым (альтернативный французский термин "гуашь" появился только в начале 20 века). Как видно из "Осени Уокера", добавление китайского белого может смягчить яркие акварели, придав им более глубокое бархатистое качество. Китайский белый также можно использовать для белых бликов, как видно на солнечном свете, отражающемся от листьев.
Акварель также можно смешать с большим количеством жевательной резинки, чтобы она стала блестящей. Это видно по желто-оранжевому лишайнику на стволе дерева в картине Сэмюэля Палмера "В саду Шорхэм", написанной примерно в 1830 году. Палмер также нарисовал цветок глянцевыми белыми каплями, тронутыми прозрачной розовой акварелью, некоторые из которых были настолько толстыми, что потрескались и отвалились, оставив бумагу голой.
Облачный этюд Джона Констебла был написан примерно в то же время, что и этюд Палмера в саду Шорхэма. Но в отличие от творческого взрыва Палмера с насыщенным, густым цветом, исследование Констебля тонкое, прозрачное и схематичное. Именно так сегодня часто понимают акварель. Он также считается хорошим для работы на открытом воздухе, так как быстро высыхает, и для записи меняющейся погоды. Констебль нацарапал на обороте, что он написал этот набросок "около 11 часов дня 15 сентября 1830 года. Ветер – W". Его целью было зафиксировать изменяющуюся форму и движение облаков. Констебль сначала использовал графитовый карандаш, чтобы слегка очертить облака. Затем он запечатлел динамическое качество погоды с помощью акварельных мазков, включая дождь, видимый слева внизу. Вместо того чтобы использовать густую белую краску, он оставил бумагу голой, чтобы выделить светлые участки своего наброска.
"Святой" Джеймса Уоттерсона Геральда, написанный, вероятно, около 1900 года, является примером акварели "блоттеск". Это метод мягкой фокусировки, который использует важнейшее водянистое качество акварели - особенно то, как цвета и оттенки могут перетекать друг в друга. В акварелях "блоттеска" предмет часто был менее важен, чем красота виртуозной техники.
Слово "акварель", однако, также описывает особый вид искусства, который развился в 18 веке, особенно в Великобритании. Это понимается как прозрачная среда, впервые созданная такими великими людьми, как JMW Turner. Искусство акварели тесно связано с карьерой Тернера, который родился в 1775 году и умер в 1851 году – примерно в то время, когда Ричард Редгрейв и другие настаивали на создании национальной коллекции акварелей.
Пейзажные акварели Тернера, такие как "Святой остров", написанные около 1828 года, кажутся воплощением того, что считалось "истинным искусством" акварели. Тернер и многие его современники были привержены акварели как средству выражения, исследуя новые техники для передачи тонкостей природы, таких как свет и атмосфера. Работая с прозрачной акварелью, они использовали яркость белой бумаги, часто оставляя голую бумагу для обозначения областей белого цвета. Вместо того, чтобы использовать белую краску для подсветки, как это делали художники маслом, они соскребали сухую краску, часто концом кисти, обнажая белую бумагу, или удаляли влажную краску сухой кистью или даже панировочными сухарями, каждый из которых создавал различные эффекты отраженного света. Возможно, именно так Тернер предложил морскую пену на Святом острове, хотя даже при увеличении трудно понять, как опытный акварелист создавал их эффекты.
Ко времени открытия музея Южного Кенсингтона в 1857 году взрыв творчества, произошедший более 50 лет назад, рассматривался как триумфальное развитие так называемых "вымытых рисунков" 18 века. Кураторы, которые сформировали коллекцию акварелей музея, отвергли такие ранние работы как бледные "рисунки", а не картины – просто записи реальных видов, которые должны были быть спрятаны в портфолио частного покровителя. "Килларни и озеро" Уильяма Парса - прекрасный пример того, что в свое время называлось "окрашенным" или "тонированным" рисунком.
Зарегистрируйтесь или войдите что бы оставить комментарий.